2017 - ZANBAGH LOTFI: INATTUALI FANTASMI DI MEMORIA
Una conversazione tra Christian Caliandro e Saverio Verini



Saverio Verini: Sono venuto a conoscenza del lavoro di Zanbagh Lotfi grazie a un articolo che hai scritto sulla sua pratica artistica, a margine di una visita che facesti presso il suo studio a Firenze diversi mesi fa. Ho pensato così che fosse necessario stabilire un contatto diretto con le sue opere: volevo vedere da vicino l’effetto di quella pittura così vorticosa, almeno per come l’avevo percepita in fotografia. E mi sono trovato di fronte a lavori che, in effetti, lasciano senza respiro: non c’è praticamente uno spazio che non sia occupato dal colore, non un centimetro di tela che non sia conteso dalle forme. Una pittura avvolgente, dalla quale mi sono lasciato “risucchiare” senza
resistenze, perché in realtà l’ho trovata ospitale,quasi rassicurante. Ho così incontrato scene frutto di ricordi personali dell’artista, ma nelle quali riuscivo a identificarmi anch’io, come se – da qualche parte, in qualche tempo – avessi vissuto le stesse situazioni. Com’è possibile che vicende e visioni così personali possano “aggrapparsi” anche a chi non le ha esperite in prima persona?


Christian Caliandro: Sì, “ospitale” è uno degli aggettivi che userei anch’io per descrivere la pittura di Zanbagh – insieme a “immersiva”. Ricordo le sensazioni di quella visita a cui ti riferisci, svolta ad aprile dell’anno scorso nell’ambito del “Taccuino di viaggio” realizzato per MyHomeGallery insieme alla fotografa Claire Adams. Zanbagh aveva sistemato all’interno dello studio (una sorta di grotta sottomarina) l’intera serie Memory Vague 1361, composta da sei quadri uno dei quali ha inaugurato il progetto Opera Viva Barriera di Milano a Torino, promosso dalla fiera Flashback, in modo che io e Claire ci trovassimo al centro e come circondati da questa narrazione visiva.
La qualità di questa immersione, dunque, possiede più livelli: quello della pittura, che come dici tu ti risucchia ma ti rassicura al tempo stesso; e quello di una memoria ricreata e raccontata che riesce a fondere autobiografia e storia collettiva, dimensione individuale e comune. Ci troviamo negli anni Ottanta iraniani, gli anni dell’infanzia per l’artista e della guerra per il Paese – eppure stranamente questi ricordi visivi, questi fantasmi di figure risuonano anche in noi. Credo che ciò accada proprio perché il lavoro di Zanbagh – in cui i singoli dipinti compongono in effetti a un altro livello un’unica opera – si sta impegnando a catturare frammenti e scaglie di esistenza personale che, una volta rielaborati assemblati trasformati, sono in grado di accedere a una dimensione universale. Si tratta di qualcosa che ha molto a che fare con l’idea e la pratica dell’autofiction.


SV: Parli giustamente di autofiction, altro termine chiave per comprendere il lavoro di Zanbagh: la
biografia dell’artista emerge, ma in maniera frammentaria e parziale, quasi provasse un senso di pudore. Trovo che questo atteggiamento costiuisca un’altra cifra importante della sua poetica, grazie alla quale Zanbagh riesce a evitare ogni tipodi patetismo o deriva emozionale. Nella sua pittura non c’è rimpianto, non c’è malinconia; al massimo uno struggimento composto. L’osservatore non è obbligato a provare gli stessi stati d’animo di Zanbagh quando dipinge i propri ricordi; e trovo che questo aspetto – questa “libertà interpretativa” – sia un altro indizio della qualità del suo lavoro.


CC: Nel lavoro frammenti (di ricordi, di scene del passato, sono come connessi da filamenti luminosi e vitali. Questo tessuto connettivo – all’interno dei singoli dipinti e comune alle opere, tra le opere – è proprio la pittura. Una predisposizione “malinconica” in questo io la vedo, ma è come proiettata totalmente in avanti: è una disposizione d’animo che tende a ricreare, a ricostruire e a riattivare questi frammenti attraverso il loro assemblaggio totalmente nuovo. È una sorta di collage in assenza del collage, un rimontaggio di figure ed elementi in cui noi ci inseriamo. Credo tra l’altro che sia proprio questa la modalità con cui noi entriamo stranamente in risonanza: attraverso la riconfigurazione la biografia scavalca il livello del singolo, per intercettare uno “stile” a cui noi possiamo reagire in modo “empatico”. Ed è questa intercapedine tra racconto e approccio, tra storia
individuale e storia dell’arte, che la ricerca di Zanbagh ricava e scava. Così, l’incontro e la fusione di un’identità iraniana con una italiana (culturale e personale), e la creazione attraverso questo
processo di una terza, nuova identità, è secondo me un fenomeno interessante da indagare – soprattutto in un momento in cui l’Italia artistica appare tanto spaesata, smarrita, e in fondo quasi
dimentica di sé.

SV: Fai riferimento al collage, che peraltro Zanbagh ha impiegato largamente nei suoi lavori, soprattutto in passato. Prelievi di realtà, elementi concreti che entrano nello spazio dell’opera, come un precipitato di mondo, che però non irrompe troppo violentemente. In qualche modo li ritroviamo anche nella produzione più recente dell’artista sotto forma di torte di compleanno, tavolini, vasi di fiori, tracce di interni domestici, sagome e profili umani, giornate trascorse a cavallo: si tratta di imitazioni di ricordi, “fantasmi di figure”– come li hai definiti poco fa. Credo che questa continua sovrapposizione tra elementi riconoscibili – chiamiamoli “campionamenti di realtà” – e i grovigli di colore che si addensano sulla tela sia uno degli aspetti della pittura di Zanbagh che più mi attrae. Le scene ti riportano indietro – nel suo e, in qualche modo, nel nostro passato – e, al tempo stesso, si proiettano in avanti, si fanno contemporanee, nel senso che coincidono col nostro tempo. C’è un passaggio di Giorgio Agamben –ormai quasi logoro, tante sono le volte che è stato usato! – che secondo me definisce quasi perfettamente il lavoro di Zanbagh: “È davvero contemporaneo chi non coincide perfettamente col suo tempo né si adegua alle sue pretese ed è perciò, in questo senso, inattuale; ma, proprio attraverso questo scarto e questo anacronismo, egli è capace più degli altri di percepire e afferrare il suo tempo.” Che ne pensi?


CC: La “traccia” e il “fantasma” sono due concetti-chiave per capire questi lavori. Le figure, i lacerti di figure e gli assemblaggi di figure appaiono come i nostri ricordi, se ci pensiamo: incompleti, frammentari, da ricostruire, pieni di buchi e di zone mancanti, che però a loro volta diventano importanti per portare avanti e sviluppare questa paziente, laboriosa, a tratti anche straziante opera di ricostruzione. È quello che sta facendo Zanbagh. Sono convinto, come scrive Agamben in quel passaggio che tu citi di Che cos’è il contemporaneo? (2008), che il contemporaneo autentico coincida del tutto con quell’inattualità, quello scarto, quell’anacronismo. Quando ho letto per la prima volta questo saggio, anni fa, pensavo che la sfasatura consistesse in una posizione laterale, e leggermente arretrata, da cui poter osservare e vivere il nostro tempo; oggi credo invece che lo scarto sia dovuto in realtà a un avanzamento. L’inattualità dunque, la mancata aderenza alle pretese del proprio tempo è dovuta a un’aderenza con pretese di là da venire, che ancora non esistono se non in versione embrionale. Più avanti infatti il filosofo scrive: “contemporaneo è colui che tiene fisso lo sguardo nel suo tempo, per percepirne non le luci, ma il buio. (...) Può dirsi contemporaneo soltanto chi non si lascia accecare dalle luci del secolo e riesce a scorgere in esse la parte dell’ombra, la loro intima oscurità.” Il buio – non solo la parte oscura
del presente, ma la parte sommersa, scomoda, nascosta, quella che esiste ma che risulta pressoché invisibile – è a mio parere il futuro. Il seme, il nucleo di ciò che diverrà il futuro, il tempo nuovo.


SV: Mi ha molto colpito ciò che una volta hai scritto a proposito del lavoro di Zanbagh e, in parti-
colare, della serie Memory Vague 1361, definendola come “qualcosa [...] che difficilmente un pittore o una pittrice italiana, in questo momento, si azzarderebbero a realizzare.” Come mai?


CC: Ho la sensazione che gran parte dei pittori e in generale degli artisti italiani siano eccessivamente preoccupati di come il loro lavoro – che vediamo in fiere, riviste, mostre istituzionali – sarà recepito (dai curatori, dai galleristi, dai collezionisti: dal “sistema”).
Voglio dire che anche la pittura in questo momento sembra governata da una certa “ansia di riconoscimento”, la quale si traduce immancabilmente in una sorta di posa studiatamente annoiata, blasé, molto solerte però nel dimostrare il proprio aggiornamento rispetto agli stilemi e ai dettami internazionali del “giro-che-conta” (se qualcosa del genere esiste davvero) – nella costante speranza di essere “in”, finalmente accolti e accettati (se qualcosa del genere ha realmente un senso). Questo per dire dell’atteggiamento maggioritario, almeno come lo percepisco io. Zanbagh – ma non è, per fortuna, un caso isolato – è orientata nella sua ricerca da una disposizione che è quella di cui abbiamo parlato, fatta di racconto di uno spazio interiore e di rapporti molto stretti con l’autobiografia, con la memoria e con il presente, con la dimensione e lo spaziotempo esistenziale. Io che guardo le sue opere comprendo la visione della realtà che possiede chi le ha immaginate e realizzate, la sua posizione nel mondo e nei confronti del mondo, posso capire cioè che cosa vuol dire essere vivi negli anni Dieci del XXI secolo; in altri casi, onestamente, ho qualche difficoltà.